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Séance du 29 novembre – Performance fictions

Séminaire commun de recherche CENEL (Paris 13) / CERILAC-TLESH (Paris 7)

Pour la seconde séance du séminaire Les Contemporains, nous avons l’honneur de recevoir des artistes et auteurs performeurs de fictions :

Jérôme Game, Artpress 2, n°26, Ce que l’art fait à la littérature, sept. 2012

Jérôme GAME

Auteur, enseignant à l’American University of Paris, vit et travaille à Paris.

A récemment publié : La fille du Far West (fiction sur une oeuvre de Jean-Luc Verna) (MacVal, 2012), Ce que l’art contemporain fait à la littérature (Chroniques muséales, MacVal, 2012), et le n° 26 d’Artpress 2 “Ce que l’art fait à la littérature” (sept. 2012). Il a également édité un ouvrage collectif sur Le Récit aujourd’hui. Arts littérature (Esthétiques hors cadre, PUV, 2011 – compte rendu à paraître sur Fabula.org).

 

 

Attraction étrange, illustration Elodie Bouedec. Courtesy L. Hervé et C. Maillet

Louise HERVÉ et Chloé MAILLET

Artistes françaises, vivent et travaillent à Paris.

Spécialistes de la performance du savoir, elles publient cet automne leur premier ouvrage Attraction étrange à la suite de leur exposition éponyme au CAC de la Synagogue de Delme (24 février-13 mai 2012). A lire un compte rendu et une présentation de leur travail par Thomas Golsenne (Historien de l’art, Ecole Nationale Supérieure Villa Arson). Fondatrices de l’International Institut of Important Items (site officiel).

Le 1er décembre 2012, elles présenteront leur performance exceptionnelle “L’un de nous doit disparaître, discours sur les presse-papiers” au Credac (Ivry-sur-Seine) à 17h.

Chloé Maillet, docteure en anthropologie de l’EHESS, est également l’éditrice d’un numéro de Images Re-vues sur La Parenté en images, Paris, EHESS, vol. 9, 2011. Souvenir de leur performance et installation à la Triennale de l’art contemporain (Palais de Tokyo, 2012).

 
 
Horaire et lieu
Jeudi 29 novembre 2012
18h – 20h
Université Paris Diderot – Paris 7
Grands Moulins – salle 682 bât. C
Esplanade Pierre Vidal-Naquet (en face de Bétonsalon)
M° ligne 14 ou RER C – arrêt Bibliothèque François Mitterrand 
Bus 89 – 62 – 64 – 325
 

Benoît Maire et Falke Pisano : le scénario philosophique

Nous avons accueilli ce 18 octobre (en guise d’ouverture de la FIAC) deux artistes de la même génération, élevés dans l’héritage conceptuel des années 60 et sous l’influence d’une esthétique contemporaine qui a depuis longtemps adopté les codes de la quête philosophique pour renouveler son approche des formes. Si l’on y perçoit les grandes références de l’art depuis les années 90, à savoir les textes de Gilles Deleuze, Jean-François Lyotard, Nelson Goodman ou Ludwig Wittgenstein, la multiplicité des lectures théoriques caractérisent aussi l’éducation de l’artiste aujourd’hui. Il n’empêche que le choix de la voie conceptuelle s’inscrit dans le sillon d’une tradition établie par Art & Language, Donald Judd, Lawrence Weiner, Joseph Kosuth, Herman De Vries, Mel Bochner, ou encore Douglas Huebler et renouvelée dans les années 80-90 par Tania Mouraud, Jenny Holzer, Hamish Fulton, Bruce Nauman. Mais ce serait simplifier à outrance que de délimiter à cette seule tendance les travaux de Benoît Maire et Falke Pisano qui incorporent leurs work in progress dans des espaces fictionnels ou poétiques.

Lauréat en 2010 du Prix de la fondation Ricard pour l’art contemporain, Benoît Maire a développé une production conceptuelle se déployant à partir de scénarios philosophiques. Depuis sa première exposition personnelle Du gâteau, la coulure Constance Mayer en 2005 à Bordeaux (chez son galeriste Cortex Athletico) jusqu’au film L’île de la répétition en 2010, les ébauches de fiction présentes dans ses installations a pris de plus en plus corps, jusqu’à se réaliser concrètement sous la forme cinématographique. D’un côté, des bribes d’histoires tragiques peuvent servir de point de départ à une esquisse de récit, comme la mort de la maîtresse de Pierre Paul Prudhon ou l’effondrement de Nietzsche place Carlo Alberto à Turin (Musique pour un cheval centenaire, 2006, avec Etienne Chambaud).

Benoît Maire, La Coulure Constance Mayer, encore, peinture glycero sur toile, 160x90cm, 2008

De l’autre, ce sont des personnages conceptuels, tel le mathématicien Sébastien Planchard (Meeting Sébastien Planchard, 2006), chargé de modéliser les formes de la répétition, ou le concept de Cordélia qui obsède le poète John Keats (L’Île de la Répétition, 2010) qui mettent en scène des situations traversées par l’émotion mais aussi le spectre de l’échec.

Benoît Maire, Meeting Sebastien Planchard, installation, vidéo, 3 dessins à l’encre, 16′, 2006

Ce que Benoît Maire nomme volontiers une investigation esthétique, sur le modèle des investigations philosophiques de Wittgenstein mais aussi Kosuth, se développe autour de figures, textes, images, dispositifs. Ces derniers sont à considérer comme des commentaires, représentations plastiques d’idées, émotions ou apories, rencontrées au gré de ses lectures de Lacan, Badiou ou plus récemment Lyotard, dont il a tiré un cycle de recherches en cours intitulé « Esthétique des différends », se matérialisant sous forme d’installation mais aussi d’une publication chez l’éditeur de livres d’artistes Rosascape.

Il n’était donc pas surprenant que Falke Pisano croise la route de Benoît Maire dans la mesure où son champ d’investigation recoupe les mêmes préoccupations autour de la mise en forme de questions théoriques. Celles-ci renvoient directement à la définition de l’art, de l’acte esthétique et de la position de l’artiste comme énonciateur / acteur d’une proposition artistique, un questionnement d’obédience moderniste assumé chez Pisano dans tout son cycle « Figures of speech » qui s’étend de 2007 à 2009.

Falke Pisano, Object and Disintegration (The Object of Three), installation, sculpture, trois vidéoprojections, (détail) 2008

Le parcours de Falke Pisano témoigne lui-même de cette hésitation entre production formelle et théorique : après avoir étudié à l’école des beaux arts d’Utrecht, Falke Pisano s’engage dans la vie active comme assistante d’une galeriste, Ellen de Bruijne, avant de postuler à la Jan van Eyck Academy de Maastricht pour un projet au sein du département de théorie. C’est finalement le département d’arts plastiques qui retiendra sa proposition : la présentation de son projet devient de façon inattendue sa première œuvre d’art, un discours théorique performé en guise de point de départ dans lequel elle déclare que « et s’il advient que, par hasard, il résulte une œuvre de son projet, explique-t-elle, cela serait tout aussi bien » (« During the interview, I explained that it was not my intention to make art, but if I happened to accidentally make a work it would be fine as well. », entretien pour Metropolis M, avec Monika Szewczyk, n°4, août-septembre 2011).

Falke Pisano, A Sculpture Turning Into A Conversation, DVD, 25′, (screen view), 2006

Les recherches théorico-plastiques de Falke Pisano, dès lors très directement héritées de l’art conceptuel mais aussi d’une tradition moderniste – on perçoit quelque motifs à la Mondrian – qui vise les finalités de l’art, sont à considérer avant tout comme des simulations se prêtant à une conversation, un dialogue. C’est le cas de l’emblématique « A Sculpture turning into a conversation » (2006) ou de son travail avec Benoît Maire « Organon (and the audience perception) » (2008) qui retrace l’histoire d’un cheminement intellectuel, d’un mouvement de la pensée : « the work is created through a continuous changing (of a) situation – in the changing lays, or in the hand/body that makes these changes lays, another story » (Figures of Speech, p. 96). Le livre qu’elle édite avec Will Holder en 2010, Figures of Speech regroupe sous l’intitulé paradoxal, à la fois visuel et textuel, de la « figure du discours » un véritable catalogue de situations d’énonciation comme des énigmes philosophiques à résoudre (comme la possible autodestruction de l’oeuvre dans Object and Disintegration, 2008). Prenant le sens de figures du discours au pied de la lettre, mots et formes prennent des chemins de traverse pour aboutir à des boucles référentielles qui créent leur propre monde, une sorte d’univers fictionnel qui fonctionne sur le mode de la simulation scientifique : « admettons que… », « si dans un espace donné… » etc. Cependant, Pisano jouant avec les limites du langage et de la conversation permet de rejoindre les problématiques d’un langage qui n’a plus de valeur fonctionnelle mais qui devient poétique, proprement esthétique.

La collaboration entre Falke et Benoît se fait donc à l’intersection de leurs recherches théoriques tout en prenant des atours formels distincts : si la présence du texte, des discours conceptuels et des performances crée un lien évident entre leurs travaux, la référence à la sculpture moderniste chez Pisano s’oppose à la récurrence d’un display « antiformel » (au sens de Robert Morris, que l’on peut étendre à la notion « informe » définie par Michel Tapié si l’on voit ses dernières peintures) chez Maire. Chez Falke Pisano, la fiction relève aussi plus de la fiction du discours et du processus de « world makings », création de simulation, qui se distingue des mises en scène scénarisées de Benoît Maire qui utilise des personnages conceptuels fictifs et évolue vers des formes narratives plus clairement identifiées. Mais chacun à leur manière, ils utilisent la matière du langage comme une forme plastique qui fait dériver les références vers de nouveaux univers construits par la fiction du langage.

Benoît Maire et Falke Pisano, The Organon and The Wave (détail), 2008 (Grazer Kunstverein, Autriche, janv-mars 2009)

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Benoît Maire a exposé en octobre à Bordeaux avec Alex Cechetti « Du classicisme » chez Cortex Athletico jusqu’au 17 novembre et prépare un projet avec Liam Gillick et Falke Pisano.

Falke Pisano était présente sur le stand d’Ellen de Bruijne lors de la FIAC 2012. Au mois d’octobre, Falke Pisano a présenté une exposition à la galerie londonienne Hollybush Gardens qui montre un nouveau développement de ses recherches autour du corps en crise (Disordered Bodies Fractured Minds (Private M., Patient A. & Traveller H.), 14/09 – 21/10 2012), induisant la possibilité d’une irruption violente de l’affect et des émotions dans ces discours jusque là très contenus. Elle exposera en juin 2013 à la Kunstverein de Cologne les suites de ce nouveau cycle.

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Extrait de l’interview de Falke Pisano avec Vincenzo de Bellis, “Space in language”,  parue dans Mousse Magazine, #19, Milan, juin 2009, dans lequel elle présente le texte spécialement écrit pour leur oeuvre collaborative, “The Wave” :

De Bellis : For the recent show at Grazer Kunstverein, you worked in collaboration with Benoît Maire. The exhibition, entitled “Organon and the Wave” included – as the title cites – The Wave, a film that you both shot separately in different locations. Later, you combined it in the process of editing. What came out after that?

Pisano : After our collaboration, I tried to formulate what I understood Falke Pisano, the film to be, for myself and for Benoît. I wrote:

The Wave is a situation in the form of a film.

The three parts of the film denote each an aspect of the situation, together creating the situation as a whole.
The first part gives the object.
The second part gives the relations that exist toward the object.
The third part gives the multiplicity of time and space that exists within this situation, creating the time-space that facilitates the object and the relations.

The Wave is a film about description.

The three parts of the film each give a different approach towards description.
The first part gives the description of a specific concrete object through the transcription of perception.
The second part gives the description in the form of a conversation and the relation of the present objects to an absent object.
The third part describes an object by giving its characteristics as universal qualities that can be found in any act of perception.

The Wave is a film that narrates an event.

In the first part something is born and with it a new world.
In the second part the world is made specific.
In the third part the world has become a world amongst worlds and therefore has become – immanent and transcendent – multiple.

Benoît Maire et Falke Pisano, The Organon & the Wave (détail), 2008

Pour aller plus loin :

Let’s get serious, How contemporary artists are shaking off the superficial – with art that poses new intellectual challenges”, par Mike Brennan sur Modernedition.com.
Du grotesque au pathos : les artistes de l’émotion intellectuelle“, par Magali Nachtergael, L’Art même, n°41, p. 10-13 et généralement tout le numéro qui traite d”Art et théorie”.

Séance du 18 octobre 2012 – Fictions conceptuelles

Séminaire commun de recherche CENEL (Paris 13) / CERILAC-TLESH (Paris 7)

Pour la première séance de l’année, nous avons le plaisir de recevoir deux artistes de premier plan, héritiers de l’art conceptuel :

Benoît MAIRE

Artiste français, vit et travaille à Paris. Lauréat du Prix Ricard en 2011.

Falke PISANO

Artiste néerlandaise, vit et travaille à Berlin.
Auteur de Figures of Speech, Presses du Réel / JP Ringier, 2010.

 

Crédits image : Benoît Maire et Falke Pisano, Organon (and the audience perception), détail, 2008.

La rencontre se déroulera en anglais international.

Horaire et lieu
Jeudi 18 octobre 2012
18h – 20h
Université Paris 7 Diderot
Grands Moulins – salle 682 bât. C
Esplanade Pierre Vidal-Naquet (en face de Bétonsalon)
M° Bibliothèque François Mitterrand
 

Benoît Maire et Falke Pisano développent chacun de leur côté les voies de la fiction et du langage pour questionner les formes esthétiques. La rencontre, sous la forme d’une interview-performance, sera suivie d’une discussion et nous donnera l’occasion de revenir sur leurs précédentes collaborations mais aussi sur leur façon d’utiliser la fiction langagière ou cinématographique dans leurs dispositifs conceptuels.

La vie secrète des doublures (Marie Canet, Brice Dellsperger & Jean-Luc Verna)

Dans le cadre des « nouvelles formes de fictions à l’œuvre », les remakes de Brice Dellsperger s’inscrivent dans les tendances les plus contemporaines de la lecture filmique, remakes, certes, un peu à la manière de Gus Van Sant reproduisant plan par plan Vertigo de Hitchcock, mais en ne choisissant que certaines scènes rejouées par un acteur unique, Jean-Luc Verna. Nous avons eu le grand plaisir d’accueillir le vidéaste Brice Dellsperger, accompagné de son acteur fétiche et artiste Jean-Luc Verna et de Marie Canet, auteur d’un brillant essai sur Body Double, “Postures et talons hauts“, publié en collaboration avec l’artiste aux Presses du Réel et chez Toastink Press. Marie Canet, enseignante à l’Ecole des Beaux Arts de Brest, a théorisé et inscrit dans une histoire culturelle et esthétique moderne la série Body Double, en le situant par rapport au  travail de Pierre Huyghe, auteur de Remake (1994, à partir de Fenêtre sur cour) et de Multiple scenarios (1996). Elle a aussi et surtout mis au jour toute la pensée du “double” qui se dégage de ces expérimentations répétitives, outrageusement factices et finalement d’un baroque très contemporain. Au-delà de ce bref compte rendu, la lecture de son essai s’avère donc indispensable pour mesurer la richesse et l’ampleur théorique de l’oeuvre de Brice Dellsperger. Illustré par ce dernier, le livre est à la fois essai, objet documentaire et livre d’artiste qui montre les coulisses et les making-of de ces films refaits.

Brice Dellsperger & Marie Canet, Body Double. Posture and high heels, Presses du Réel / Toastink Press, 2011

La séance intitulée de manière volontairement abusive (pour attirer l’oeil des collègues littéraires) « Fictions Queer » ne répondait donc pas aux canons de la “queer theory” (même si Jean-Luc Verna aurait bien aimé un débat avec Marie-Hélène Bourcier), ni même de la théorie littéraire actuelle de la fiction. Que reste-t-il de la notion d’intertextualité quand l’original est copié à l’identique mais avec tant de défauts ou imprécisions qu’il en devient difficile de reconnaître la source? Que dire de l’immersion fictionnelle du spectateur quand il ne fait qu’assister au jeu du réalisateur et d’un acteur qui joue à s’immerger dans un film et qui s’y “incruste” totalement comme un effet spécial? Les remakes de Brice Dellsperger sont aussi un exemple de ce que l’artiste, ou l’écrivain, si l’on étend la notion de texte par-delà les frontières du livre et du langage, produit comme réécriture, relecture et ré-interprétation d’une oeuvre passée (“et si les films changeaient d’auteur?”, pourrait poursuivre Pierre Bayard). Il redouble, recommence, sans cacher le fait, interrogeant aussi le champ des apparences et de l’originalité des oeuvres.

Brice Dellsperger, Body Double 22, 2010

Quant au queer (dont je l’admets bien volontiers, je ne suis pas spécialiste*), difficile de classer Body Double d’après une de ses définitions, tant la présence et la posture, c’est le cas de le dire, de Jean-Luc Verna en brouillent l’entrée. J’en veux pour exemple l’une des phrases marquantes, parmi d’autres que l’on a pu entendre, qui fut celle de Verna (aussi amicalement appelé “La Verna” dans le monde de l’art) au sujet de ses nombreux tatouages et des artifices qu’il utilise pour agrémenter l’apparence de son corps. En réponse à une question d’une auditrice éclairée sur les “Drag King”, Verna a précisé avec force : “Je ne suis pas gay, je suis pédé”, expliquant très distinctement son souhait et son droit de rester viril tout en se parant de divers accessoires, maquillages, excentricités vestimentaires tolérées chez les femmes mais pas chez les hommes. Marie Canet explicite très bien cette indécision redoublée : “Si la doublure appartient à une genre mal défini, c’est que le modèle lui-même est indéfini”, ajoutant plus loin que “pour Severo Sarduy, la femme n’existe pas, c’est une apparence que le travesti simule et c’est parce que le modèle est inexistant que la simulation est possible, au contraire de l’imitation” (“Postures et talons hauts”, p. 106, citation de S. Sarduy, La Doublure, Flammarion, 1981, p. 16). Pour ses apparitions dans Body Double, Verna gomme ses tatouages et devient un véritable acteur qui se coule dans la peau à la fois de ses personnages et de ses prédécesseurs, indifféremment hommes ou femmes. Dans le remake intégral de L’important c’est d’aimer (Body Double (x), 2000), Verna joue chaque acteur, chaque figurant mais aussi une troublante Romi Schneider, que l’on reconnaît à travers les traits de l’artiste. Et même si elle est remplacée un solide travesti, Verna porte cette même tristesse et intensité dans le regard qui frappe la scène inaugurale d’une double émotion, celle du souvenir du film, mais aussi celle qui émane de l’acteur lui-même, prisonnier de son corps d’homme dans un rôle de femme qu’il n’aurait jamais pu jouer. “Je ne voulais faire une Romi de caniveau”, qui aurait été un pastiche de cabaret, explique Verna, renouant ainsi avec la tradition élisabethaine ou du Nô qui n’autorise que les hommes à monter sur scène. L’acteur devient simplement le “x” d’une équation dont la valeur est inconnue (Marie Canet, p. 135).

Brice Dellsperger, Body Double (x), 2000

Mêlant humour, finesse et force, Verna apporte aux remakes une dimension critique incarnée, faisant monter en puissance ce qui se présente aussi comme un jeu d’adolescent se rêvant acteur (dixit Brice Dellsperger,  né à Cannes comme par hasard, et qui a joué lui-même dans ses premiers Body Double, titre avec lequel il partage d’ailleurs les mêmes initiales B.D.). Cette jubilation du fan reste d’ailleurs toujours palpable, par exemple dans la scène de Body Double 22 où Verna joue alternativement une Nicole Kidman lascive et sous opiacées dans la soirée échangiste d’Eyes Wide Shut et son ténébreux tentateur. Dans ce cas, la superposition de différentes scènes du film le réécrit partiellement et dans le même temps, donne l’impression que Dellsperger a réarrangé le scénario à sa guise pour placer les personnages dans un autre décorum (celui de la scène de rituel satanique) et en quelque sorte améliorer le film. On sourit donc aussi devant ces montages et les imperfections du remake, bien que Dellsperger s’applique à améliorer sa technique pour chaque Body Double, avec un succès d’ailleurs croissant et remarquable.

Brice Dellsperger, Body Double 22, 2010

Brice Dellsperger reste malgré tout maître de ses fantasmes cinématographiques : il choisit les films, les scènes, les réassemble comme dans un rêve projeté en 16:9.  Le fait de croiser ses goûts et ses références cinématographiques réactivent aussi une forme de cinéphilie qui se reconnaît dans les choix du “second” réalisateur : Brian De Palma, évidemment, le titre de la série lui revenant directement, Andrej Zulawski, Stanley Kubrick, Hitchcock, mais aussi Jean-Paul Rappeneau (La Vie de château) et David Lynch. Cet amour du cinéma, plongé comme le dit Marie Canet, dans une esthétique dionysiaque “de la copie, montée, travestie, drag, excessive, camp” (Marie Canet, p. 110) fait exploser la norme de genre à tous les sens du terme, la norme cinématographique mais aussi ses grilles de lecture traditionnelles. Autant dire donc que les oeuvres de Dellsperger ont, dans le champ contemporain, une charge théorique (une puissance électrique) qui redonne au cinéma et à ses auteurs une seconde vie, du relief et un autre corps, loin des effets 3D qui ne font finalement qu’aplanir le sens des images.

Séance riche, galvanisante et délicieuse à la fois, à l’image des sensations qui se dégagent devant ces inépuisables Body Double.

Magali Nachtergael

 

*Voir l’ouvrage d’un collègue de Paris 13, membre du CERC à Paris 3, Pierre Zoberman dir., Queer, écritures de la différence? vol. 1 et 2, Identités, genres, sexualités, L’Harmattan, 2007-2008, celui de François Cusset, Queer critics : La littérature française déshabillée par ses homo-lecteurs, PUF, 2002 et bien entendu Marie-Hélène Bourcier auteur de Queer Zones 1, 2, 3, Balland, 2001 puis La Fabrique, 2005 puis Amsterdam, 2011. La bibliographie sur la question est bien plus étendue et a des limites ténues avec les Gender studies.

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